Jornada de Peques en ESENCIA

Hoy fue un día muy productivo en el laboratorio de Arte "Esencia". Hemos disfrutado de la ferviente e inagotable fuente de inspiración y creación de los más pequeños. Niños y niñas de entre 4 y 10 años participaron del taller dejándonos su huella por el espacio.



Queda muy poco para que termine Esencia.

Los esperamos!!!!

Una semana más de Esencia

Tal como lo ideamos es como esta saliendo Esencia, un espacio de creación, de conversación, de intercambio, de trabajo.
Un espacio para compartir, contemplar, crear.
Cada día nos visita más gente y nos va dejando un pedacito de ellos en este laboratorio de arte.
Las obras van tomando forma poco a poco.
Es dificil crear en público, pero es muy fácil cuando se comparte el mismo sentimiento.
Los invitamos a participar. Todavía hay tiempo.

YA EMPEZO ESENCIA!

Esencia lleva 5 días y ya han dejado algunos su huella por el laboratorio artístico.

Las obras comienzan a tener forma y los papeles, bocetos, dibujos se empiezan a amontonar.

El próximo viernes 11 de Abril a las 14 horas haremos el primer debate/intercambio.

Esperamos tu visita y que ésta deje su huella en este espacio de creación.

ATENCION!!! Esencia no es un espacio sólo para artistas, sino para todo aquel que quiera compartir algo.

ESENCIA

Artacción!! propone espacios para pensar, conversar, encontrarse entre personas, sean de donde sean, y no necesariamente del campo del arte. Propone interacción, comunicación, espacios de trabajo y realización.
Conexión.
Artacción se mueve, traspasa fronteras y deja huellas.
En esta edición presenta Esencia. Un laboratorio artístico con jornadas públicas donde el espectador puede compartir la libertad del momento creativo del artista.
Exentos de culturas, sociedades, prejuicios, morales, éticas que contaminan o disfrazan nuestra esencia.

Programa del proyecto dentro del período del 31 de Marzo al 25 de Abril:
-El laboratorio y el espacio de conversación donde las artistas estarán trabajando se podrá visitar de Lunes a Viernes de 9 a 20 h. en el 2do piso.
-Jornadas de debate/intercambio con la presencia de las artistas:Todos los Viernes del mes de abril de 14 a 18 h. en el 2do piso.
-Cierre y presentación del proyecto:Jueves 24 de Abril a las 19:00 h. en la sala polivalente y quedará expuesto hasta el viernes 25 de Abril.
Ver más info


Arteleku Kristobaldegi 14 20014 Donostia - San Sebastián
T: +0034 943 45 36 62 www.arteleku.net

Las artistas:

Helga María Massetani, nace en Buenos Aires en 1980, durante toda su vida asiste a talleres de artes plásticas, con pintores destacados como Julio Lavarello, Mabel Casalaspro, Guillermo Cuello y Osvaldo Attila. Ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1997 y recibe el título de Profesora Nacional de Pintura en el año 2002. Asiste a la equivalencia Universitaria en el IUNA como Licenciada en Artes Visuales, a Seminarios de Postgrado en la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova", es becada al posgrado de Administración y Gestión Cultural en la Universidad de Palermo, trabaja como Comisario en el Casal de Catalunya de Buenos Aires, es enviada como representante cultural al Forum Universal de las Culturas de Barcelona en el 2004, entre otras cosas.
Actualmente vive en Villabona, trabaja como Profesora de Artes en San Sebastián y es artista residente en Arteleku.
Más información en la página: www.helgamassetani.com.ar

Chuneta Sánchez-Agustino, nace en Pontevedra en 1969. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y realiza los cursos de Doctorado en las Facultades de Filosofía y Arquitectura de la UPV. Participa en talleres de serigrafía, pintura y animación. Obtuvo una Beca de Creación Artística de la Diputación Foral de Guipúzcoa en 2006. Su obra ha estado expuesta en numerosas ciudades desde 1989, es profesora de diversas disciplinas artísticas desde 1992 y realiza exposiciones con regularidad desde 2005.
Reside en San Sebastián desde 1995 y es artista residente en Arteleku.
Más información en la página: chuneta.blogspot.com

ARCO 08

En principio tengo que afirmar que poder formar parte como público crítico de esta importante feria internacional de Arte que se realiza anualmente en Madrid fue gratamente importante para mi.
Independientemente del arte que se muestre en esta feria, tener la posibilidad de ver qué presentan las galerías, qué están haciendo los artistas en el mundo y qué indiscutiblemente grandiosas son las obras de los artistas consagrados, para mi ha sido memorable.

Luego, después de una semana de haber asistido a este tan ansiado evento entre los que estamos viviendo del arte, puedo reflexionar sobre algunos aspectos de ARCO 08.

Para empezar, ARCO es una feria internacional de “galerías” de arte. Este año la propuesta ha sido de 224 galerías, de las cuales 157 fueron extranjeras y 67 españolas.
Lo que nos brinda un acercamiento al arte pero no significa que sea el reflejo exacto del arte que se produce hoy en día en el mundo.
Tan sólo podremos ser espectadores de una parte de las corrientes hegemónicas en el arte actual.

Por otro lado, he deducido que aunque en muchas instituciones artísticas se pugne constantemente por las nuevas tecnologías, los media arts, las performances, las vanguardias tecnológicas (que ya no son vanguardias), lo que más abunda hoy en día en Arco, y en las galerías de arte internacional que lo representan, es la fotografía, la pintura, la escultura y el ready made. Y quisiera agregar que he visto una muy amplia exhibición de fotografías, siendo, a mi punto de ver, la especialidad artística que más se ha expuesto durante esta feria, permitiéndonos así, ver muy buenos trabajos, de gran calidad.

Otro aspecto que me parece interesante de comentar es el público al que está enfocado este evento. Considerando de que dura cinco días, dos (ósea el 40 %) está dedicado a la prensa, invitados especiales, galeristas y compradores. Y el resto, está dedicado a éstos, y también al público en general que pueda pagar 32 euros para entrar. En mi opinión esto no incluye ni estudiantes, ni artistas fuera de la corriente hegemónica, ni apasionados por el arte que no tengan cierto estatus económico. Por otro lado me pareció muy curiosa la presencia de una zona VIP, a la cual no he podido ingresar y por esto no podré hacer ningún comentario al respecto, pero todavía me cuestiono su existencia.
He notado también la presencia de gran cantidad de galerías alemanas, siguiendo las inglesas, suizas, norteamericanas, portuguesas y coreanas. Estas últimas presentando muy buena propuesta de artistas contemporáneos.

Con respecto a las galerías sudamericanas, evidentemente ha resaltado la presencia de las galerías brasileras, debido a que éste era el país invitado y que su presencia se ha hecho notar con notables exhibiciones, pero del resto de los países sudamericanos la presencia ha sido casi inexistente, quizás porque es considerablemente costoso participar y trasladar obras y artistas desde Sudamérica hasta Europa. Y lo mismo respecto a las africanas. Pero éste es un punto flojo de ARCO como evento de arte internacional, ya que sólo estaba presente en su gran mayoría los países, como siempre, más desarrollados.

Con respecto a la calidad de las obras tenemos 3 aspectos.
Por un lado, contamos con la presencia de los artistas consagrados que se llevaban gran parte de mi atracción y a mi punto de ver, opacaban bastante a los más actuales, jóvenes y emergentes. Los artistas consagrados, Appel, Tàpies, Valdés, Saura, Feito, Picasso, Miro, evidentemente por algo lo son.

En segundo lugar, encontramos un nivel muy alto en cuanto a estética y calidad respecto a los artistas emergentes, tanto en fotografía, video, instalación, pintura, collage, escultura.

Y en tercer lugar, tenemos a los excéntricos de siempre. Que intentan llamar la atención, despertar el interés o la curiosidad en la gente. El toque de color, humor o rabia que siempre tienen este tipo de eventos. Y cuando vemos la presentación de este tipo de obras, ya sabemos de qué se va a hablar mañana. En la historia del arte se ha repetido este sentimiento de escepticismo al ver trabajos que no encajan en nuestra valoración y comprensión de objetos de arte, y como ven, seguirá pasando a través de los años. Aprendamos a acostumbrarnos y convivir con ellos. Estamos transcurriendo dentro de la posmodernidad, en la que todo vale.
Seamos abiertos y dejemos ser a nuestro par.





Performance – Miércoles 13 de Febrero 2008

ARTACCION!!

Artacción nace desde una inquietud motivada por la búsqueda de la identidad.
Después de 3 años conviviendo dentro de la cultura europea, mi identidad comienza a ser cuestionada.
Encuentro paralelismos pero también muchas diferencias.
Los países antiguamente colonizados por los europeos, cuentan con un gran porcentaje de población inmigrante. Inmigrantes europeos que viajaron en el pasado buscando un futuro mejor, o escapando de alguna abrupta realidad.
Mucha de la descendencia de estos antiguos inmigrantes (como yo) no encuentran sus raíces tan fácilmente. Muchos de sus familiares y orígenes se encuentran a miles de kilómetros en lugares remotos, infinitamente diferentes a los que habitamos hoy día.
La globalización, que surge en las colonias, hace que mis comidas tradicionales sean las empanadas (gallegas) o la pizza y la pasta (italiana). Tenemos culturas prestadas, apropiadas y readaptadas a nuestros gustos.
Apropiación y adaptación, hoy muy actuales en el campo del arte postmoderno.
Mi búsqueda, o mejor dicho, mi construcción de una identidad como persona está acompañada de la artística. Persona y obra se encuentran íntimamente ligadas, y debido a esta unión, surge la opción de la realización de esa búsqueda mediante acciones concretas no sólo con la exhibición de la obra realizada sino de la manera en que se realiza.
El Arte no tiene fronteras ni nacionalidades.
No hay arte de naciones, sino solo de personas.

Acciones

Artacción propone espacios para pensar, para conversar, para encontrarse entre personas, sean de donde sean, y no necesariamente del campo del arte.
Propone interacción, comunicación, espacios de trabajo y realización.
Conexión.
Artacción se mueve, traspasa fronteras y deja huellas.

La música en el Arte - Kandinsky

En la música el arte abstracto por excelencia, Kandinsky encontró lo que su genio artístico en formación estaba ya buscando: la abstracción. En la obra wagneriana se hacia realidad, además, el sueño romántico de la obra de arte total, la fusión, en una única representación, de artes, géneros y estilos diversos para lograr una obra maestra que contuviese poesía, pintura, música, danza….
El arte debía ser la representación no solo de la realidad exterior, sino sobre todo de la interior: “Partíamos del supuesto de que, además de las impresiones recibidas del mundo exterior y de la naturaleza, el artista recoge experiencias también del mundo interior”.
El particular universo cromático wagneriano proporcionó a Kandinsky una de sus primeras y más intensas experiencias sinestésicas, durante una representación de Lohengrin en Moscú: “los violines, los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Mentalmente veía todos mis colores, los tenía ante mis ojos”. Al igual que Scriabin, el pintor se interesó más en la disonancia de color y música para evocar esas percepciones que producían emociones más intensas en la degustación del arte. Las sinestesias de Kandinsky poseían gran sensorialidad, presentándose tanto a nivel visual, como acústico y táctil. A sus más ambiciosas obras las llamó Composiciones, lo que probablemente conlleva una metáfora musical. A través de ellas intentó ejercer sobre el espectador un impacto como el que podría sentir con la música. Las teorías tonales de Scriabin van parejas a las de Kandinsky y ambos pretendieron encontrar equivalencias entre sonido, color y sentimiento. La música de Schoenberg trazaría un paralelismo nada casual con la obra pictórica de Kandinsky: el cromatismo libre, la disonancia no resuelta y el posterior modelo dodecafónico fueron transformaciones hondas de la música que firmó a su manera Kandinsky en las artes visuales. La constante referencia a la música y a la metáfora musical en su obra De lo espiritual en el arte parte de estas teorías y experiencias que aúnan forma, sonido y color.
Una parte fundamental del texto Lo espiritual en el arte esta dedicada a la relación establecida entre estímulos cromáticos y reacciones psicológicas, esto es, la posibilidad de suscitar sensaciones en el espectador mediante un determinado uso de colores.
En la elaboración de este tipo de psicología de los colores, Kandinsky fue influido sin duda por una larga tradición literaria sobre el tema, que va desde la Teoría de los colores (1810) de Goethe hasta las sugestiones simbolistas contenidas en el celebre soneto de Rimbaud titulado Vocales (1871).
Según Kandinsky, los colores tienen un sonido interior que “se asemeja al sonido de una trompeta”; los colores como el blanco y el amarillo hacen la obra luminosa, mientras que el azul y el negro transmiten una sensación de dramatismo y de “tristeza atormentadora”. El rojo se caracteriza por ser un color “ilimitado, típicamente cálido” e “interiormente posee el efecto de un color muy vivaz e inquieto”, mientras que el amarillo esta lleno de energía, pero con un “carácter despreocupado”; el azul es, por el contrario, el “color típico del cielo”, de lo sobrenatural, hecho de transparencias y de vertiginosas profundidades. Luego tenemos la quietud del verde, la inmovilidad del gris, la tristeza del violeta, y luego los colores del silencio… El silencio primordial del blanco, que coincide con “la nada antes del origen, antes del nacimiento”, y el silencio trágico del negro: “Como una nada sin posibilidad, como la muerte de la nada después de que el sol se haya apagado, como un eterno silencio sin futuro y sin esperanza, resuena dentro de nosotros el negro”.
Algunos colores, además, son potenciados por determinadas formas y debilitados por otras. Los colores vibrantes, por ejemplo, “se intensifican si se les sitúa dentro de formas agudas (por ejemplo el amarillo en un triangulo)”, mientras que los colores profundos “son reforzados por las formas redondas (el azul, por ejemplo, por un círculo)”.
Es solo con esta psicología del color como se pueden llegar a comunicar contenidos espirituales a través de medios visuales, para llegar a establecer un contacto directo con el alma del espectador, que no debe dejarse distraer por la vana búsqueda del sentido, sino que debe dejar que “el cuadro actúe sobre él”. La atención pasa, pues, de la expresión del artista a la percepción del espectador, al cual se propone un viaje al reino de lo imaginario, a los meandros de la psiquis, al mundo del inconsciente.
El color es para Kandinsky, por lo tanto, “un medio para influir directamente en el alma. El color es la tecla. La vista es el macillo. El alma es un piano con muchas cuerdas. El artista es la mando que, tocando esta o aquella tecla, hace vibrar el alma”.

Prof. Helga María Massetani

El color de los cuerpos

1 - Composición de los colores

El color de los cuerpos viene determinado por los siguientes factores básicos:

-El color local o el color propio
-El color tonal dado por los efectos de luz y sombra
-El color reflejado

1.2 Color Local

El color local es el color propio y especifico: el rojo de un tomate, el amarillo de un limón, el verde de una manzana verde. Un color que siempre existe pero que es más evidente cuando los cuerpos reciben luz frontal, ya que es más difícil ver las sombras y juegos de luces y los colores que estos crean.
La resolución de los cuerpos exclusivamente con el color local fue un estilo iniciado por Manet, que predomino en general con los impresionistas pero que triunfo con los fauves, que pintaban colores locales, saturados, planos.

1.3 Color Tonal

Cambiando la dirección de la luz, de frontal a lateral, aparece el color tonal promovido por los efectos de luz y sombra. Aparecen facetas mas intensas porque reciben la luz con mayor intensidad, y otras menores ya que se hallan en mayor o menor oposición respecto a la dirección de la luz. También pueden recibir la influencia de otros colores de otros cuerpos que estén reflejándose por estar próximos al objeto.
Entonces, el color tonal es una variante en mas o en menos del color local o propio, influido, generalmente, por la luz y el reflejo de otros objetos.

1.4 Color reflejado

Aquí es donde entra el color reflejado.
La luz que llega al objeto que se encuentra al lado del objeto modelo es rebotada y reflejada en parte en la sobra o en los medios tonos de nuestro modelo.
Por otra parte, la luz reflejada puede actuar como una fuente de luz complementaria. Esto es factible en la mayoría de los casos en que el modelo recibe la iluminación a contraluz.

Prof. Helga Maria Massetani